“Não queríamos criar um espaço que se levasse muito a sério”, diz o fundador da Palisociety, Avi Brosh, sobre sua abordagem à mais nova propriedade da marca, a Palihouse West Hollywood. Ele procurou suavizar o exterior austero do prédio da West Third Street com um interior eclético e em camadas, inspirando-se no luxo lúdico da Califórnia e no charme imprevisível de uma elegante pousada europeia. Há uma sensação teatral por toda parte, começando pelo balcão de check-in, que foi projetado para parecer um palco com as cortinas fechadas. Cada um dos 95 quartos é decorado com peças antigas, luminárias personalizadas e obras de arte em abundância. E embora haja muito para ver e comer nas proximidades – LACMA, La Brea Tar Pits e Caviar Kaspia estão todos a uma curta distância – o hotel oferece seu próprio ecossistema de entretenimento. A comida da Califórnia durante todo o dia é servida no lounge, café e bar do saguão; o Pool Lounge oferece bebidas gratuitas como limonada e doces; e no mezanino, você encontrará um bar de saquê com pequenos pratos de fusão japonesa, como sushi prensado e um sanduíche de katsu de frango – com uma janela de comida para viagem tarde da noite. Palihouse West Hollywood abre em 1º de dezembro, quartos a partir de $ 295, palisociety. com.
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Móveis esculturais e simbólicos de Minjae Kim em exibição em Miami
A galerista de Miami Nina Johnson conheceu o designer multidisciplinar Minjae Kim no verão passado, quando viu seu trabalho na Marta, uma galeria em Los Angeles. Ela imediatamente adquiriu uma luminária de chão escultural construída em abeto Douglas escuro altamente envernizado com abajur de fibra de vidro. E quando ela decidiu adicionar um espaço de biblioteca ao seu complexo de galerias em Little Haiti, todo projetado por Charlap Hyman & Herrero, ela sabia que queria contratar Kim para criar móveis para ele. “Eu queria mostrar um artista cujo trabalho se envolvesse com a arquitetura”, explica ela. Kim, residente em Nova York, nasceu em Seul e seu trabalho é frequentemente inspirado por sua identidade multicultural; suas cadeiras, mesas, luminárias e armários de madeira e fibra de vidro são tipicamente feitos com técnicas coreanas e muitas vezes carregados de referências pessoais e históricas. “A cadeira que eu faço pode ter mais significado do que apenas um lugar para sentar”, diz Kim. “Tento esconder que os objetos que faço têm uma função.” Para a inauguração da biblioteca de Johnson, o designer de 33 anos criou uma exposição de peças únicas sob o nome “IYKYK” — se você sabe, você sabe. Para Kim, isso significa que “alguém com origem coreana verá outra camada”. Ele se inspirou em objetos asiáticos antigos que vem pesquisando há anos, como uma cadeira cerimonial tradicional e uma luminária em forma de jarro lunar. “Ser multicultural às vezes significa que você entra em um reino de confusão sem fim”, diz Kim. “Mas isso torna as coisas muito mais interessantes.” “Minjae Kim: IYKYK” está em exibição de 28 de novembro a 7 de janeiro de 2023, ninajohnson.com.
Em sua casa italiana em Cortona, uma cidade medieval no topo de uma colina na Toscana, Jennifer Perez Crisanti mantém uma grande tigela de terracota salpicada de verde na pia da cozinha. O canadense fundador da Ivo Angel, uma loja online que vende splatterware italiano feito à mão, usa-o para lavar a louça. Como todo bom design, a cerâmica splatterware, caracterizada por suas manchas de esmalte colorido aplicadas rapidamente, não é apenas bonita, mas funcional: é durável, acessível e facilmente produzida. Popularizado pelas olarias inglesas de Staffordshire no século 18, o artesanato é praticado há muito tempo na Itália, e Perez Crisanti colabora com um mestre artesão local, Giulio Lucarini, para fazer as peças de Ivo Angel, que variam de tigelas de proporções generosas e jarras de água resistentes a uma barraca de frutas com bordas franzidas. Enquanto trabalha em seu estúdio, Lucarini gosta de contar histórias sobre a vida em Cortona (“algumas delas são bastante escandalosas”, diz Perez Crisanti), onde sua família vive há gerações. Ela espera que as peças, destinadas ao uso diário, se envolvam da mesma forma com a vida de seus donos. “É importante nos cercar”, diz ela, “de coisas que têm alma”. A partir de $ 20, ivoangel.com.
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Uma elegante colaboração de moda entre continentes
O estilista italiano Marco Zanini lançou sua marca de moda feminina Zanini em 2019 para um público instantaneamente devotado. Antes da pandemia, suas coleções eram exibidas durante as semanas de moda bianuais em seu apartamento milanês repleto de tesouros que virou salão para clientes e compradores que sentiam que ele havia criado sua alfaiataria precisa e camadas femininas apenas para eles. Foi essa intimidade que tornou impossível manter a pequena marca autofinanciada à tona, já que as restrições da Covid continuaram dois anos depois. Mas durante os longos dias em casa, o estilista manteve contato com os amigos que fez enquanto produzia sua linha. Foi uma dessas conversas com Sonya Park, fundadora do destino de varejo japonês Arts & Science, que iniciou seu projeto mais recente. Park sugeriu que ele enviasse seus tecidos e padrões para o Japão, onde ela produziria uma coleção cápsula. Então começou um projeto de design de vaivém, onde formas e estilos exclusivos de Arts & Science foram reproduzidos nos tecidos do designer italiano – e vice-versa – como um terno Zanini cortado em caxemira sal e pimenta de tecido japonês e um boxy, blusa clássica Arts & Science confeccionada em tecido quadriculado de lã e seda Zanini. “Éramos como crianças brincando juntas em uma caixa de areia”, diz Park sobre a parceria. Zanini está empolgado com o experimento, considerando-o uma forma “genial” de ele e outros pequenos designers se manterem conectados ao seu trabalho. “Sonya foi uma inspiração para mim quando lancei meu negócio, então este é realmente um sonho que se tornou realidade”, diz ele. A coleção pretende ser o pontapé inicial de uma colaboração contínua, oficialmente chamada Zanini com Arts & Science, já disponível nas lojas Arts & Science.
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Um restaurante dos arquitetos do Museu Yves Saint Laurent em Marrakech
Os arquitetos Karl Fournier e Olivier Marty não apenas projetaram o célebre museu Yves Saint Laurent em Marrakesh, mas, há quase 20 anos, a dupla por trás do Studio KO também ajudou a restaurar o lendário restaurante e ponto de encontro da cidade, o Grand Café de la Poste. Eles passaram três anos transformando o prédio para o casal de restauradores franceses Pierre Pirajean e Helena Paraboschi. Este mês, a mesma equipa voltou a reunir-se para inaugurar o Sahbi Sahbi, uma caixa de joias de um restaurante do bairro de Gueliz. Inspirado em receitas tradicionais de família e construído em torno do conceito de uma equipe de cozinha não hierárquica e liderada por mulheres, o Sahbi Sahbi serve pratos marroquinos como cordeiro temperado com cominho e tagine com robalo marinado em chermoula. Fournier diz que, assim como a comida, a ideia por trás do design era “homenagear o artesanato marroquino”. Uma variedade de superfícies texturizadas – uma parede de ladrilhos triangulares e tetos esculpidos – feitos de materiais naturais como tijolo e cedro cercam uma cozinha aberta central, que deve funcionar como palco para as mulheres que a administram. “É corajoso e difícil para as mulheres no Marrocos trabalhar em um lugar que serve bebidas alcoólicas”, explica Paraboschi. “Eles têm que conseguir várias autorizações só para poderem trabalhar aqui. Há muitos anos que desejo criar um autêntico restaurante marroquino que honre e dê oportunidade às mulheres.” O conceito atraiu tanto os dois arquitetos que eles pediram para serem sócios no negócio, tornando-se seu primeiro projeto como donos de restaurantes. Por isso se chama Sahbi Sahbi, que significa “alma gêmea” em árabe marroquino. sahbisahbi.com
Antes das férias, o Museu Nacional do Índio Americano está sediando seu 15º Mercado de Arte Nativa anual, apresentando artistas selecionados por um comitê de curadores e especialistas culturais. No Diker Pavilion, localizado dentro do grande museu de colunas no extremo sul de Manhattan, o artista Tuscarora Grant Jonathan exibirá seus ornamentos e o artista Navajo Melvin Platero trará as joias contemporâneas de ouro e prata que ele cria usando técnicas tradicionais de fundição de tufa. O grupo de 39 artistas em destaque também inclui a designer pioneira Dorothy Grant, que combina a arte tradicional Haida com design de moda, e o renomado artista de joias Diné, Jimmie Harrison. Este ano marca o retorno do mercado anual a um evento presencial após um hiato de dois anos por causa das restrições da Covid. (A contraparte do museu em Washington, DC realizará seu Native Art Market ao mesmo tempo, com uma lista diferente de artistas.) O chefe de programas públicos do museu, Shawn Termin (Lakota), está entusiasmado com o fato de que isso significará mais interações entre os colecionadores e artistas. “Através das conversas individuais que acontecem entre os visitantes do mercado de arte e os artistas, as pessoas podem desenvolver uma compreensão mais profunda da arte e das culturas nativas”, diz ela. Os membros do museu são os primeiros a escolher em uma recepção prévia realizada em 2 de dezembro. O Museu Nacional do Mercado de Arte Nativa dos Índios Americanos está em exibição nos dias 3 e 4 de dezembro, americanindian.si.edu.
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