Bem-vindo à T List, uma newsletter dos editores da T Magazine. A cada semana, compartilhamos coisas que estamos comendo, vestindo, ouvindo ou cobiçando agora. Assine aqui para nos encontrar em sua caixa de entrada todas as quartas-feiras. E você sempre pode nos contatar em tlist@nytimes.com.
Visite isto
Um hotel Tribeca com um estado de espírito francês
Cento e dez anos depois que François André Barrière fundou seu grupo de administração hoteleira homônimo, a empresa – conhecida por seus alojamentos de luxo e cassinos em toda a França – está abrindo seu primeiro hotel nos Estados Unidos, em um bloco de paralelepípedos em TriBeCa com 325 pés de rua -nível de fachada. Para fundir o estilo francês do grupo hoteleiro com sua nova localização do outro lado do Atlântico, a equipe chamou o designer de interiores sueco Martin Brudnizki. O lobby de Fouquet em Nova York é inspirado no movimento Art Deco, uma ponte estética natural entre Nova York e Paris, evidente no vidro chanfrado que parece uma joia que reveste a recepção, atrás do qual um painel cromado do tamanho de uma parede do artista israelense-americano Nir Hod reflete os transeuntes na Desbrosses Street do lado de fora. Enquanto todos os quartos têm um esquema de cores que parece desenhado a partir de uma caixa de macarons, com cortinas de seda plissadas e toques de pistache e lilás, alguns também apresentam papel de parede toile de Jouy personalizado, incluindo pontos de referência da cidade de Nova York e pombos carregando croissants. Um spa subterrâneo oferece um extenso menu de tratamentos, bem como uma banheira de hidromassagem Hydropool, sauna e sala de vapor. Um posto avançado da brasserie parisiense Fouquet’s, que será inaugurada nas próximas semanas, ancora as opções gastronômicas do hotel com um menu criado por Pierre Gagnaire em colaboração com o chef executivo Philippe Orrico, servindo clássicos como lagosta ao termidor e crepes suzette. O Fouquet’s original na Champs-Élysées também é conhecido por hospedar um jantar de gala após os prêmios anuais César. Ecoando essa tradição, o hotel de Nova York tem uma sala de projeção acusticamente isolada com capacidade para 100 pessoas – uma adição adequada a um bairro que tem sua própria tradição cinematográfica. A partir de US$ 1.100, hotelsbarriere. com.
No mundo do chocolate artesanal, existem hierarquias de gostos. No topo estão as barras feitas principalmente de cacau, mais amargo do que doce, enquanto em algum lugar abaixo está a exuberância do chocolate ao leite enriquecido com manteiga. Mas para a Fossa, uma fabricante de chocolate independente com sede em Cingapura, essas construções não se aplicam. “Não vamos nos restringir ao tipo de chocolate base, seja escuro, ao leite ou loiro”, diz a cofundadora da empresa, Yilina Leong. “O que é mais importante para nós é como podemos criar sabor.” Cada barra – feita com cacau especial e premium de várias fazendas de comércio direto em todo o mundo – é projetada para destacar ingredientes finos e raros ou a mais recente musa culinária dos fundadores. Temperos recentes incluem chás chineses Pekoe & Imp; algas marinhas da província de Tokushima, no Japão; e folhas de curry tostadas. “Usamos o chocolate como tela para apresentar esses sabores”, diz Leong. A coleção mais recente da Fossa é inspirada nos alimentos de conforto de Cingapura e o mais novo bar do chocolatier segue a sugestão do satay, uma comida de rua onipresente, e seu molho de amendoim que o acompanha. A barra de molho satay, que tem 48% de cacau – então, tecnicamente, um chocolate ao leite – contém praliné de amendoim, cominho, erva-doce e outras especiarias. É combinado com cacau de origem ética do fermentador Kokoa Kamili na Tanzânia, que tem um leve perfil de maçã verde e uma textura suave e cremosa que equilibra a doçura torrada e de nozes e o leve toque de especiarias amadeiradas. A partir de US$ 10, fossachocolate. com.
Cobiçar isso
Pinturas texturizadas feitas em Marrakech
Lrnce, a linha de cerâmica, tapetes e tecidos de Laurence Leenaert, feita em colaboração com artesãos marroquinos, decolou logo depois que ela se mudou de sua Bélgica natal para Marrakesh em 2015. para ela, então ela começou a pintar. Como seus outros trabalhos, suas telas são tomadas abstratas sobre os pontos turísticos de sua cidade adotiva e apresentam fundos esbranquiçados com linhas de forma livre e formas renderizadas em tons alegres. Eles permaneceram apenas para ela até que Freddie Burness, diretor da Cadogan Gallery de Londres, deu uma olhada neles, e a terceira exposição do artista no espaço já está no ar. Como sempre, as obras incluídas refletem o fascínio de Leenaert por processos e materiais. Ela começa coletando tecidos feitos à mão, que corta, remonta e costura diretamente na tela. Desta vez, ela experimentou incorporar cores mais sombrias e usar argila terracota como tinta, trabalhando no chão e aplicando-a com os dedos. “Não se trata de pinturas, mas de possibilidades, e elas são infinitas aqui”, diz Leenaert, cuja peça favorita é intitulada “Route Étroite” (2022) e retrata, diz ela, “todas as estradinhas da medina da cidade e todas as pequenas coisas que chamam sua atenção enquanto você encontra seu caminho.” “Laurence Leenaert: Clay and Dreams” está em exibição até 8 de outubro, cadogangallery. com.
Vê isto
Um filme surreal que retrata a vida em confinamento
Enquanto alguns de nós brincavam que as quarentenas estavam nos transformando em hausfraus de pão ou nos deixando loucos, o videoartista Mika Rottenberg estava pensando em “Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles” (1975), o filme de Chantal Akerman sobre uma hausfrau que é levado à loucura. Para seu primeiro longa-metragem, cocriado com Mayhad Tousi, que estreia no próximo mês no Festival de Cinema de Nova York, Rottenberg substitui a protagonista viúva reprimida por Unoaku (Okwui Okpokwasili), uma mulher de carreira confinada por causa de uma futura pandemia fora da tela. Os interiores monótonos da Bélgica do pós-guerra foram reformulados com papel de parede afrofuturista, e os drones de entrega zumbiam nas janelas enquanto Unoaku descascava suas próprias batatas tristes. Os vídeos surreais de Rottenberg revelaram rotineiramente a estranheza de nosso trabalho, mostrando como as pérolas são semeadas em ostras (“NoNoseKnows”, 2015) ou batatas são raspadas do chão (“Spaghetti Blockchain”, 2019). Em “Remote”, ela e Tousi revelam as peculiaridades de nossos bloqueios entre telas, uma ideia que Rottenberg diz que eles criaram enquanto falavam sobre “a estranha experiência de viajar tão facilmente pela World Wide Web enquanto fica fisicamente preso em um lugar”. Unoaku passa seus dias tocando em uma tela que, para o espectador, é totalmente invisível – tão impossível de ver quanto os produtos de nosso trabalho em confinamento às vezes pareciam parecer. “Remote” está em exibição no dia 12 de outubro no Francesca Beale Theatre e no dia 13 de outubro no Howard Gilman Theatre, filmlinc.org.
“As dimensões surreais são chocantes”, escreveu certa vez o arquiteto Stephen Hull sobre a Casa Malaparte, uma mansão austera e improvável empoleirada em um promontório escarpado da costa leste de Capri. Encomendado por Curzio Malaparte – um pseudônimo para o escritor, editor, vanguardista e fascista italiano Kurt Erich Suckert – a casa de 1941 é um retrato multifacetado de seu proprietário, forjado a partir do calcário batido pelo vento de seus arredores solitários. Seu telhado funciona como uma escada trapezoidal para os céus. Suas paredes externas, outrora brancas, foram repintadas no final da Segunda Guerra Mundial para vermelhão, a cor do sangue. Malaparte mexeu no projeto original da vila, do arquiteto Adalberto Libera, até que sua estrutura se assemelhou a algo entre um navio de cruzeiro encalhado e um grande mausoléu.
O descendente mais jovem do escritor, Tommaso Rositani Suckert, passou os verões da infância na Casa Malaparte e agora trabalha para preservar seu legado. Até 22 de outubro, os visitantes do posto avançado da cidade de Gagosian entrarão em uma escassa aproximação da sala de estar da propriedade, apresentada ao lado de uma vitrine contendo edições raras de “Kaputt” (1944) e “The Skin” (1949) de Malaparte, além de fotografias melancólicas do escritor em outros locais históricos no Mar Tirreno. Os únicos móveis da exposição – banco, mesa e console, todos desenhados por Malaparte – são reproduções editadas encomendadas por Suckert em escala e materiais idênticos. Lendo a correspondência entre Malaparte e seu carpinteiro, Suckert ficou surpreso com “a força das palavras de Malaparte em comunicar as formas e diretrizes estéticas muito precisas”. Aqui, longe de seu local de origem, as peças ecoam os pedaços de nogueira primorosamente esculpidos da Casa Malaparte, as colunas atarracadas de mármore de Carrara, a pedra de tufo e o pinho curvo. Atrás de cada uma há uma impressão digital emoldurada das vistas da janela da sala: mares azuis e falésias, sem um humano à vista. “Casa Malaparte: Móveis” em cartaz até 22 de outubro gagosian. com.
Ver isto
Uma celebração do estilo dos anos 60 – e uma história de amor na moda
A história de amor da designer têxtil Celia Birtwell e do estilista Ossie Clark, falecido em 1996, está sendo celebrada em Prato, na Itália, na recém-inaugurada exposição do Museo del Tessuto “Mr. & Sra. Clark. Depois de se conhecerem como estudantes de arte em Manchester em 1962, a dupla embarcou em um romance de uma década e uma amizade duradoura. Eles eram mais conhecidos por co-criar roupas emblemáticas do Swinging Sixties, incluindo uma série de macacões andróginos feitos para Mick Jagger e vestidos boêmios cortados das estampas inspiradas no jardim de Birtwell. A exposição, com curadoria do jornalista Federico Poletti, mostra 40 peças de vestuário icônicas, os respectivos cadernos de desenhos dos artistas, fotografias editoriais do casal e imagens exclusivas dos desfiles que produziram – todos revelando a inegável influência que Birtwell e Clark tiveram um no outro . Um vestido transparente de manga de sino em camadas incorpora a abordagem ousada de Clark para o design, um vestido de gola creme e papoula ilustra os vestidos de padrão duplo da dupla e um vestido de seda de linha A intitulado “Mystic Daisy” – o favorito de Birtwell – é representativo de o estilo flower power característico do casal. Embora Birtwell e Clark tenham se separado em 1974, pouco antes de sua apresentação final no King’s Road Theatre, a vida doméstica compartilhada do casal é imortalizada no retrato que seu amigo em comum David Hockney pintou deles. Birtwell tem uma esperança para a exposição retrospectiva da arte de seu ex-parceiro: “Ele nunca deve ser esquecido. Quero sempre iluminar o trabalho dele.” “Senhor. & Mrs. Clark” está em exibição até 8 de janeiro de museodeltessuto.it.
Do Instagram de T
