Em 2016, o diretor criativo da Loewe, Jonathan Anderson, lançou o Loewe Craft Prize, um concurso aberto para artesãos e fabricantes apresentarem trabalhos únicos nas artes aplicadas, concedendo 50.000 euros ao vencedor. Para anunciar o vencedor do prêmio deste ano, a Loewe Foundation, da casa de moda espanhola, organizou uma cerimônia no Noguchi Museum em Long Island City, Queens, em 16 de maio. O júri foi composto por especialistas na área de design, incluindo a ceramista Magdalene Odundo; Abraham Thomas, curador de arquitetura moderna, design e artes decorativas do Metropolitan Museum of Art; e a vencedora do ano passado, a artista plástica Dahye Jeong.
O painel reduziu sua seleção para 30 obras que representam artistas de 16 países. Entre eles: Dominique Zinkpè, do Benin, apresentou um conjunto de estatuetas de madeira esculpidas em uma velha canoa; Giorgi Danibegashvili, da Geórgia, fez uma escultura de papel e fibras de seda; e Maina Devi, da Índia, usou uma técnica antiga de fabricação de tapetes do Rajastão, empregando mais de 200.000 nós persas assimétricos para fazer um tapete de lã de ovelha e seda de bambu, que, disse Thomas, “parecia um tecido impresso digitalmente”. Das três obras de artistas dos Estados Unidos, uma foi uma cesta feita pelo estúdio Aranda/Lasch, de Nova York e Tucson, em colaboração com Terrol Dew Johnson, membro da Tohono O’odham Nation, que usou materiais como grama de urso, iúca e arbusto de creosoto colhidos no Deserto de Sonora, no Arizona. Todos os participantes empregaram técnicas tradicionais enquanto faziam trabalhos que pareciam totalmente contemporâneos. No final das contas, o prêmio máximo foi para a artista japonesa Eriko Inazaki, cuja escultura “Metanoia” consiste em centenas de pequenas peças de cerâmica afixadas a um núcleo de argila, criando, de acordo com os organizadores da mostra, “uma sensação de energia radiante e explosiva em toda a obra. superfície, evocando uma sinfonia.” Todas as 30 peças estarão expostas no estúdio de Isamu Noguchi – marcando a primeira vez que o espaço foi aberto para uma exposição pública – até 18 de junho. craftprize.loewe.com.
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Kona Village, um resort com telhado de palha na Ilha Grande do Havaí, finalmente reabre
Doze anos depois que um tsunami devastou Kona Village na Ilha Grande do Havaí, o resort há muito conhecido por sua estética náufraga e chalés de palha à beira-mar (Steve Jobs foi um de seus últimos hóspedes) está reabrindo sob a administração do Rosewood Hotels & Resort neste verão. Quando Kona Village estreou em 1965, era tão isolado que os hóspedes tinham que chegar de barco ou táxi aéreo. Embora as estradas agora perfurem os campos de lava endurecidos, o resort de 81 acres ao longo da Baía de Kahuwai ainda parece relativamente isolado. Existem 150 bangalôs, a maioria com varanda própria e banheira de imersão de concreto preto que ecoa a paisagem circundante de basalto. Em homenagem à antiga vila de pescadores que já ocupou o local, os designers da NicoleHollis, empresa de interiores com sede em São Francisco, adicionaram alguns toques náuticos, incluindo amarrações de colunas inspiradas em canoas e redes de pesca, e triângulos tatuagem (velas) do artista Kaili Chun que ficam suspensas nas vigas do restaurante exclusivo do hotel, o Moana. Os fãs da antiga propriedade ficarão animados ao saber que o antigo Shipwreck Bar, formado a partir da escuna afundada do primeiro proprietário de Kona Village, foi totalmente restaurado, emblemático da selvageria e rejuvenescimento de Kona Village. Kona Village abre em 1º de julho; quartos a partir de $ 1.900 por noite, rosewoodhotels.com.
Embora tenha crescido na França, foi só no verão passado que o ceramista Danny Kaplan, do Brooklyn – mais conhecido por seu lâmpadas de argila sinuosamente esculturais — teve a chance de visitar a Unite D’habitation de Le Corbusier, o robusto conjunto habitacional de meados do século em Marselha que mudou a arquitetura para sempre. Há muito inspirada pelo Brutalismo, a estrutura inspirou Kaplan a pensar mais profundamente sobre “camadas modulares”, diz ele, as formas como “material, forma e composição desempenham um papel forte e igualmente importante” na construção. A partir daí, ele e seu estúdio começaram a experimentar: não na roda, onde tradicionalmente a maioria de seus itens são desenvolvidos, mas em placas de argila que são enroladas e depois secas até “o estágio de couro duro”, explica ele, permitindo que sejam cortados e unidos para depois endurecer em blocos ocos resistentes. Esse processo permitiu a Kaplan criar suas primeiras peças de mídia mista, uma variedade de mesas, luminárias e bancos chamados de coleção Brick, todos combinando formas retilíneas de cerâmica com carvalho arredondado, cuja bela tatilidade ele admira há muito tempo, mas nunca antes incorporada a sua prática. “Estou sempre aprendendo”, diz Kaplan sobre a construção de lajes, “portanto, qualquer técnica que me permita levar o material a um novo nível é satisfatória”. De $ 2.500, para a luminária de mesa Emma, dannykaplanstudio.com.
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Roupas de verão que beneficiam um grupo de conservação de elefantes
Carla Sersale, fundadora da marca de estilo de vida Emporio Sirenuse, conheceu Mark Shand, cofundador da instituição de caridade Família Elefante, quando ele veio se hospedar no hotel dela, Le Sirenuse, no início dos anos 2000. Ela se lembra de ter ficado encantada com a dedicação do conservacionista em proteger os elefantes ameaçados de extinção na Ásia. Quase duas décadas depois, a estilista e hoteleira procurou Ruth Ganesh, que se tornou a principal administradora da Elephant Family após a morte de Shand em 2014, na esperança de criar uma coleção que contribuísse para a missão da organização. O resultado é uma variedade de roupas de resort – como um vestido marfim bordado à mão na altura do tornozelo feito de algodão leve e um caftan arejado de algodão com a estampa botânica da marca – e acessórios para casa combinando. Os utensílios domésticos complementam a moda com estampas caleidoscópicas pintadas à mão na cidade italiana de Vietri sul Mare usando uma técnica tradicional, enquanto os linhos são costurados na Índia. Uma parte dos lucros irá para a Família Elefante. A partir de US$ 335, emporiosirenuse.com.
O fotógrafo e diretor Ethan James Green dedicou sua New York Life Gallery, ao lado de seu estúdio no quinto andar na Canal Street, para mostrar artistas esquecidos, desconhecidos ou negligenciados. Ele inaugurou o espaço em outubro de 2022 com “Women”, destacando uma série de fotografias em preto e branco raramente vistas de Baltimore na década de 1970 por Steven Cuffie, seguidas por uma residência e exposição do pintor Drake Carr no início de 2023. A última exposição, “Sleeping Beauties”, mostra 19 pinturas que Green encontrou enquanto vasculhava vendas de imóveis e sites de leilão. Tanto os artistas quanto seus temas correspondem a uma ampla gama de escolas e identidades e, embora várias das peças da mostra sejam de artistas não reconhecidos, muitas são de pintores cujas obras podem ser encontradas nos arquivos de museus como o Met ou o Smithsonian mas raramente está à vista. Há “Cartoon” (por volta de 1914), um quadro em tons cítricos vívidos do pintor americano Arthur B. Davies que foi rotulado incorretamente em uma venda de propriedade; outro achado valioso é um mosaico de 1930 de um homem de perfil em inebriantes tons de verde da artista germano-americana Elsa Schmid, cuja obra foi coletada pelo Museu de Arte Moderna. “Nem todo mundo percebe quando começa sua coleção de arte que pode adquirir obras de artistas com peças nessas grandes instituições”, diz Green. “Eu rapidamente me apaixonei pela caça ao tesouro de tudo isso.” “Sleeping Beauties” está em exibição de 19 de maio a 14 de julho, newyorklifegallery.com.
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Designs divertidos de Elizabeth Garouste em exibição em Nova York
Quando chegou a hora do designer e artista francês Elizabeth Garouste para nomear sua última coleção de móveis, ela se pegou pensando em “Beans”, um filme canadense dirigido por Tracey Deer. Uma história de amadurecimento ambientada no cenário de uma disputa de terras entre manifestantes Mohawk e autoridades de Quebec, seus temas centrais de inocência infantil e “o fermento da adolescência”, como disse Garouste, ressoou com o designer. Ela pegou emprestado o título do filme para sua exposição individual, que será exibida na galeria de Ralph Pucci em Chelsea no final deste mês. A coleção inclui mesas, iluminação, um espelho e um console, muitos dos quais apresentam formas de rim levemente irregulares, forjadas à mão, afixadas ou perfuradas nas superfícies bulbosas dos itens. “Sempre privilegiei as formas de arabescos, redondos, curvas como feijões”, diz Garouste sobre seu catálogo de trabalhos, que remonta à década de 1980, quando ela fez seu nome produzindo móveis levemente surreais em colaboração com Mattia Bonetti. O talento de Garouste para o deliciosamente inesperado permanece claramente intacto: nesta nova coleção, uma lâmpada se assemelha a um formigueiro sobrenatural, enquanto os interiores amarelos de suas arandelas garantem um brilho quente, independentemente da lâmpada usada. Garouste, que mora e trabalha em Paris, viajou para Nova York para criar cada peça ao lado da equipe do estúdio de escultura interno de Pucci. As obras finais são feitas em mosaico, mármore e Plasterglass, material que lembra o gesso, mas é muito mais resistente em sua forma final. Garouste gosta de poder “modelar as formas como esculturas”, diz ela. “O prazer deste trabalho é poder controlar totalmente a forma do objeto.” “Feijão” estreia em 22 de maio, ralphpucci.com.
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