T apresenta: as criações imponentes e vestíveis de Eric Tobua
“Arte que pode ser vestida” é um rótulo aplicado com certo abandono no mundo da moda, mas não há outra maneira de descrever os acessórios de cabeça surpreendentes e muitas vezes arranha-céus do diretor criativo Eric Tobua. As construções selvagens do homem de 39 anos de Bangkok incluem uma coroa de ossos de cobra e porco; um chapéu feito de um gambá de pelúcia; e uma peça de 2018 que ele chama de “Hungry for Love, Hungry for Everything”, um cocar do qual pendem réplicas de plástico e resina de chá de bolhas, sorvete e arroz pegajoso de manga. Seu enorme capacete de bolsas e joias de luxo falsas – intitulado “Compramos coisas de que não precisamos com dinheiro que não precisamos impressionar pessoas de quem não gostamos” (2020) – é, diz ele, um comentário sobre consumismo e resíduos, temas que ele também abordou com uma série de máscaras de decomposição rápida, uma feita de durião (uma fruta notoriamente pungente nativa do sudeste da Ásia) e outra de quiabo e cabaça amarga.
Natural de Khon Kaen, uma província do nordeste da Tailândia, Tobua estudou balé antes de se mudar para Londres para se matricular no programa de arte e design da Central Saint Martins. Depois de se formar, ele foi assistente de estilista em Bangkok, onde uma de suas primeiras tarefas foi criar acessórios de passarela para um desfile de moda local. Suas criações – em particular um capacete espetado que lembra um peixe-leão e feito de canudos de plástico, penas de avestruz e pedaços de couro – levaram a encomendas de músicos e programas de televisão, incluindo a versão tailandesa de “The Masked Singer”.
Hoje, seus clientes são em sua maioria internacionais: para comemorar a abertura de uma mostra do pintor espanhol Miquel Barceló, o museu Fondation Beyeler, nos arredores de Basel, na Suíça, organizou uma gala para a qual a amiga de Tobua, a chef tailandesa Rose Chalalai Singh, radicada em Paris, criou o menu e Tobua fez centenas de coroas adornadas com conchas e chapéus com peixes de papel machê para os convidados usarem, muitos com objetos coletados encontrados nas praias de Maiorca, onde Barceló nasceu. Como Barceló, Tobua frequentemente se volta para a vida marinha em busca de inspiração artística. Seu projeto de fantasia, diz ele, seria “uma mensagem artística enviada do oceano”. Uma ideia: uma escultura subaquática que evoluiria para um habitat marinho. Diz Tobua: “Eu sonho com recifes de coral crescendo em meu trabalho”. — John Wogan
Cerâmica tradicional com uma queda pela cultura pop
Roberto Lugo era um estudante de faculdade comunitária de 25 anos quando se sentou pela primeira vez em uma roda de oleiro. “Fiz uma aula de arte porque não queria escrever um artigo”, diz ele.
Como um garoto porto-riquenho que cresceu no nordeste da Filadélfia, Lugo nunca sonhou em se tornar um ceramista, muito menos alguém cujo trabalho está agora nas coleções permanentes do Museu de Arte do Condado de Los Angeles e do Museu de Arte da Filadélfia, entre outros. Hoje, o artista – que ganhou um BFA do Kansas City Art Institute e um MFA da Penn State – faz cerâmicas que reinterpretam as formas clássicas através das lentes da cultura hip-hop e de sua própria infância. Suas versões pintadas à mão de vasos de porcelana Sèvres do século 18, bules ingleses e antigas urnas gregas combinam motivos decorativos tradicionais com retratos de figuras como Stacey Abrams, o Notorious BIG e Cornel West – “pessoas de cor que geralmente não acabam em porcelana”, diz. Entre suas obras mais conhecidas está “Digable Underground”, uma urna de grés embelezada com grafites e representações de Harriet Tubman e Erykah Badu, agora na coleção permanente do Metropolitan Museum of Art em Nova York.
Lugo, de 41 anos, que uma nova mostra no Museu de Arte de Cincinnati (onde está em exibição até setembro), está se preparando para sua primeira apresentação solo em Nova York com a R & Company em agosto, enquanto leciona cerâmica na Tyler School of Art and Architecture da Filadélfia na Temple University e faz potes e xícaras “cotidianas”, como ele os chama, que ele vende em villagepotter215.com.
Há alguns anos, Lugo fez para si uma camiseta com os dizeres: “A cerâmica salvou minha vida”. Ele o usa o tempo todo, mas não – como se pode supor – ironicamente. “Sou do gueto”, diz ele. “Nunca me esqueço de como poderia facilmente ter acabado em um caminho diferente.” — Catherine Hong
The Thing: os audaciosos brincos de esmeralda e diamante de Graff
Costuma-se dizer que a história da alta joalheria na Europa se originou há mais de 100 anos, quando ateliês familiares começaram a abrir na Place Vendôme de Paris. Mas Laurence Graff, o fundador e presidente da Graff com sede em Londres, sempre se divertiu com uma contranarrativa. Agora com 84 anos, ele ainda comemora seu início como um adolescente desajeitado do East End em meados da década de 1950, consertando bugigangas vitorianas enquanto planejava se tornar um empresário internacional de diamantes – extraindo as pedras e depois polindo, projetando e vendendo as peças acabadas. À medida que suas butiques proliferavam, ele comprou muitos dos diamantes brutos mais conhecidos do mundo, incluindo o Golden Empress de 299 quilates cor de mel e o Lesedi La Rona de 1.109 quilates – na época, o maior descoberto em mais de um século – e corte-os em pedras preciosas. Esses showstoppers servem como inspiração duradoura para o estilo audacioso da casa, sintetizado por esses novos brincos: cada um uma torre de quase três polegadas de esmeraldas colombianas gigantes – 26 quilates no total – coroado por um trio extravagante de diamantes em forma de pêra cortados para pegar até mesmo o luz mais suave da noite. Brincos Graff com esmeraldas e diamantes, preço sob consulta, graff.com. — Nancy Hass
Assistente de fotografia: TJ Elias. Assistente de cenografia: Steven Ruggiero
Uma loja de design inglês com quartos para a noite
Em Bath, Inglaterra, próximo ao Royal Crescent – o espetacular semicírculo de casas geminadas do século 18 familiares aos fãs das adaptações cinematográficas de Jane Austen – ergue-se uma imponente casa geminada em estilo palladiano construída com a distinta pedra de cantaria tingida de ouro da região. O andar térreo do edifício, que remonta à década de 1760, abriga há quatro anos o posto avançado de Bath na 8 Holland Street, a galeria e loja de design de Londres. A partir do próximo mês, pela primeira vez, a residência do andar de cima estará aberta para estadias particulares. Acessado por um alpendre com frontão jônico, o interior de quatro andares inclui uma sala de estar com uma janela veneziana de grandes dimensões e lareira de pedra Regency; uma cozinha inglesa simples Shakeresque repleta de cerâmicas coloridas; e três quartos, um com banheira vitoriana e closet. Inspirado nas casas de colecionadores como Peggy Guggenheim e Jim Ede, o proprietário da 8 Holland Street, Tobias Vernon, encheu o local com uma variedade de móveis europeus e escandinavos do século 20, artesanato moderno e obras de arte que vão desde pinturas da St. peças contemporâneas de David Shrigley. E com os colecionadores atuais em mente, tudo isso – incluindo a mesa de jantar Guillerme et Chambron, a cadeira de balanço Paolo Buffa e a tapeçaria Märta Måås-Fjetterström – está à venda. Preços a partir de US$ 3.900 por três noites, 8hollandstreet.com. — Aimee Farrell
Outra coisa: banquinhos de cerâmica almofadados de Hun Chung Lee
O mundo da arte nunca soube bem o que fazer com a cerâmica. Um objeto vidrado é menos importante do que um busto de gesso clássico? Um vaso destinado a conter dálias pode ser comparado a uma pintura a óleo? Hun Chung Lee, 56, que divide seu tempo entre estúdios em Los Angeles e Seul, onde nasceu, complica ainda mais a forma como a cerâmica é vista. Ao longo de 30 anos, usando um forno feito à mão, ele esculpiu uma coleção de móveis escarpados e únicos: cadeiras, escrivaninhas, mesas e este agrupamento mais recente de bancos almofadados. Ao aplicar camadas de esmalte celadon radiante durante um período de dias em um processo inspirado por uma técnica formulada pela primeira vez no século 15, ele constrói uma complexa armadura interna toda de argila para cada peça oca. Qualquer que seja a categoria a que essas obras pertençam – arte, design ou algo totalmente diferente – sua beleza monumental perdura. Preço em pedido, r-and-company.com. — Nancy Hass
Assistente de fotografia: Maeve FitzHoward
