o artista brasileiro Berna Real senta-se em cima de um cavalo pintado de escarlate, um focinho em forma de gaiola cobrindo seu rosto.
Enquanto o animal trota pela rua deserta ao amanhecer, Reale o guia com rédeas de couro preto, as mãos em luvas que combinam. Seu cabelo escuro é cortado curto e suas costas são retas. Ela usa um uniforme militar preto e uma expressão séria no rosto.
A performance de 2012, “Palomo”, que aconteceu na cidade amazônica de Belém, pretende questionar a ideia de que instituições como a polícia projetam uma sensação de paz e segurança. Como todas as performances de Reale, “Palomo” não aconteceu em um museu, mas em um espaço público ao ar livre, dando a ela um público muito mais amplo e respostas espontâneas de pessoas que não se propuseram a ver arte naquele dia.
“Quando você se apresenta para as pessoas na rua, não sabe como elas vão reagir”, diz Reale, 57, que também trabalha com a polícia como perito forense. “Isso gera tensão. Eles têm o direito de se incomodar com isso, assim como eu tenho o direito de estar ali realizando”.
Uma das artistas contemporâneas mais importantes do Brasil, Reale é apresentada com 17 outras criadoras proeminentes e emergentes em um novo livro, “Dissident Practices: Brazilian Women Artists, 1960s-2020s”. Escrito pela historiadora da arte Claudia Calirman, ele explora como artistas mulheres responderam a alguns dos momentos históricos e políticos mais difíceis do país – desde a ditadura militar em meados dos anos 1960 e o retorno à democracia em meados dos anos 1980 até as mudanças sociais em torno do gênero normas e a objetificação das mulheres nos anos 2000.
Onze desses artistas, incluindo Reale, também participam de uma exposição de mesmo nome, com curadoria de Calirman no Galeria Anya e Andrew Shiva no John Jay College of Criminal Justice, até 16 de junho.
Embora as mulheres estejam na vanguarda do mundo artístico brasileiro há décadas, elas nem sempre estavam dispostas a usar sua visibilidade para discutir as questões relacionadas a gênero que enfrentavam pessoalmente.
“Eles não falavam sobre questões femininas”, diz Calirman, professor associado de história da arte no John Jay College of Criminal Justice e chefe do departamento de arte e música. “Se o fizessem, seriam menosprezados. Então, eles estavam principalmente fazendo arte sobre outras coisas. E quando eles fossem para lá, seria uma questão muito espinhosa.”
Para aquelas que trabalharam durante a ditadura militar brasileira de 1964-1985, certificar-se de que seu trabalho não fosse considerado feminista, ou lido através dessas lentes, foi uma decisão consciente, em parte para evitar ser rotulada como uma “artista de questões femininas”. Tratava-se também de garantir que as amplas violações dos direitos humanos dirigidas a todos os cidadãos fossem abordadas.
Anna Bella Geiger, que nasceu em uma família judaico-polonesa no Rio de Janeiro, diz que fez questão de incluir tanto homens quanto mulheres indígenas em sua peça de 1977 “Brasil native/Brasil alienígena (Native Brazil, alien Brazil).”
“Não havia tempo ou espaço mental para focar nos direitos das mulheres”, diz ela. “Éramos todos nós, todos os cidadãos, que não tínhamos direitos naquela época. Não podíamos votar, não podíamos dar opinião nos jornais porque eram censurados. Estávamos isolados e alienados.”
Tatiana Flores, professora de estudos latinos e caribenhos e história da arte na Rutgers University, diz que culturalmente muitos latino-americanos normalmente não gostam de classificações como feminista, que podem “ler como uma imposição dos EUA”.
“Certamente, as discussões sobre raça e racismo na América Latina são frequentemente descartadas quando as preocupações dos EUA são mapeadas para a América Latina. O tema do feminismo funciona de maneira semelhante. O livro de Calirman desencadeará conversas importantes e necessárias.”
O segundo livro que Calirman publicou sobre o assunto, “Práticas dissidentes”, enfoca o que mulheres artistas estavam fazendo durante alguns dos momentos históricos e mudanças sociais mais importantes do Brasil e como elas responderam a eles.
Ao incluir obras com humor e humor — de artistas como a performer Márcia X, a escultora Lyz Parayzo e a artista plástica Renata Felinto — Calirman esperava atrair mais leitores.
“Eles são divertidos”, diz Calirman sobre as peças de arte. “Você abre o livro e começa a rir.” Ela acrescentou: “Eu não queria fazer nada pesado. Eu não queria fazer arte de protesto.”
No vídeo “Cara Branca e Cabelo Loiro”, de 2012, Felinto pega a prática racista do blackface — ainda usado em alguns programas de humor da TV brasileira na época — e a vira de cabeça para baixo, pintando o rosto de branco e usando um longo cabelo loiro. peruca enquanto navega em butiques sofisticadas no rico bairro dos Jardins, em São Paulo, uma área que muitos negros brasileiros evitam por causa dos casos de racismo que ocorreram lá. Ela usava grandes óculos escuros e um colar de pérolas, jogando o cabelo para trás e sacudindo as sacolas de compras para garantir que todas as compras estivessem à mostra.
O objetivo, diz Felinto, “era devolver esse constrangimento às pessoas que costumam nos fazer sentir assim”. Felinto acrescenta: “Durante a apresentação, algumas mulheres que assistiam ficaram indignadas. Eles perceberam rapidamente que era sobre eles.
“É o tipo de trabalho que faz as pessoas rirem, mas é uma risada nervosa. E era isso que eu queria.”
Aleta Valente, uma das artistas mais jovens da exposição “Práticas dissidentes: artistas mulheres brasileiras, anos 1960-2020”, faz parte de uma nova geração de mulheres que chega ao cenário artístico brasileiro, usando as redes sociais para dar visibilidade e criar espaço para artistas das mais diversas origens. Seu trabalho é uma exploração de si mesmo por meio de fotos, vídeos, selfies e memes.
Em seu autorretrato de 2019, “Material Girl”, Valente posa provocativamente em cima de uma pilha de materiais de construção descartados, uma parede inacabada de blocos de concreto atrás dela. Pretende-se pôr em causa a construção dos estereótipos femininos e a forma como o corpo da mulher é visto como material de consumo.
“Obviamente sou feminista, mas meu trabalho não é só isso”, diz Valente. “Quando uma artista é uma mulher e está retratando sua experiência no mundo, sua forma de ver o mundo, ela é imediatamente rotulada como feminista. Mas quando os homens olham para o mundo, ele é visto como uma experiência universal. Isso é o que nos incomoda como artistas. Sendo colocado em uma caixa.
Reale concorda. Seu trabalho se concentra principalmente na violência contra as minorias. Isso significa, infelizmente, que muitas vezes as mulheres são o tema de suas apresentações, porque, como ela observa, o Brasil é um mundo de extrema desigualdade.
“Se é isso que significa ser feminista, então acho que sou uma”, diz ela com relutância. “Se tem que haver uma palavra para isso, claro, somos feministas.”
Práticas dissidentes: artistas mulheres brasileiras, anos 1960-2020
Até 16 de junho, Anya and Andrew Shiva Gallery no John Jay College of Criminal Justice, 11th Avenue na 59th Street, Manhattan, (212) 237-1439; shivagallery.org.
