Os castelos dos Alpes alemães e austríacos são conhecidos pela sua qualidade de conto de fadas. A icônica silhueta da torre no fundo do logotipo da Disney foi, na verdade, modelada a partir de Neuschwanstein, o palácio bávaro do rei Ludwig II, perto da fronteira dos dois países. O Schloss Fuschl, localizado em um lago glacial em tons de esmeralda e com anéis verdes, a 20 minutos de Salzburgo, não é exceção. Construída em 1461, a extensa mansão de pedra serviu durante quatro séculos como um luxuoso pavilhão de caça para os príncipes-arcebispos de Salzburgo, que governaram a área sob o Sacro Império Romano, bem como para seus convidados reais. Após a Segunda Guerra Mundial, o schloss (“castelo” em alemão) foi convertido em um hotel que funcionou principalmente sazonalmente, de abril a outubro, até 2022, quando a Rosewood Hotels & Resorts comprou a propriedade e iniciou uma restauração. No dia 1º de julho, o Schloss Fuschl reabrirá com 98 quartos, incluindo seis chalés independentes. Existem seis restaurantes e bares no local; piscinas infinitas internas e externas; um spa com três saunas e oito salas de tratamento; e acesso ao Lago Fuschl: expedições de pesca, passeios de barco e caminhadas pela natureza lideradas por herbalistas podem ser organizadas. Embora o castelo nunca tenha sido o lar de gente como Cinderela ou Rapunzel, ele hospedou uma princesa do cinema: os fãs do cinema de meados do século podem reconhecer o lugar pelos filmes “Sisi” da atriz franco-alemã Romy Schneider – uma trilogia histórica sobre a jovem Elisabeth de Áustria – que foram filmados lá na década de 1950. Hoje, o Sisi Teesalon leva o nome do personagem e oferecerá serviço de chá da tarde com uma ampla variedade de doces caseiros, incluindo o Schloss Fuschl Torte, um bolo trufado de chocolate e avelã criado pela primeira vez na cozinha da casa há mais de 30 anos. Tarifas a partir de cerca de US$ 695 por noite, rosewoodhotels.com.
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Na nova galeria Michael Werner em Beverly Hills, dois pintores conversando ao longo do tempo
Quando for inaugurado em Beverly Hills, em 22 de junho, o posto avançado da Michael Werner Gallery em Los Angeles apresentará obras do artista francês do século XIX Pierre Puvis de Chavannes e do pintor alemão do pós-guerra Markus Lüpertz. O coproprietário da galeria, Gordon VeneKlasen, escolheu esses artistas em parte para surpreender os espectadores: “Ninguém espera ver esses dois artistas em uma exposição em Los Angeles”, diz ele. A mostra revela a admiração de longa data de Lüpertz por seu antecessor: as obras expostas, datadas de 2013 a uma década depois, incorporam e recontextualizam imagens da obra de Puvis, como “Étude pour Le Pauvre Pêcheur” (“Estudo para o Pobre Pescador”) e Esboço a carvão de 1881 de um pescador e duas figuras, que na pintura “Besuch von Pierre” (“Visita de Pierre”) (2018) de Lüpertz se torna uma vista desprovida de pessoas. A VeneKlasen deseja que esta interação entre duas épocas caracterize as futuras exposições da galeria. “Eu realmente queria estabelecer que estamos ligados à história e ao mesmo tempo ao moderno e ao contemporâneo”, diz ele. Outras exposições planejadas no espaço minimalista, que envolve um pátio, incluem aquelas que apresentam obras do artista conceitual americano do século XX, James Lee Byars, do pintor e músico britânico Issy Wood e do artista alemão Florian Krewer. A galeria também sediará uma série de eventos, começando com uma apresentação de palavras faladas no dia 7 de setembro com poetas da Califórnia. “Markus Lüpertz, Pierre Puvis de Chavannes” estará em exibição na Michael Werner Gallery, Beverly Hills, de 22 de junho a 7 de setembro, michaelwerner.com.
Para Bertjan Pot, designer de Roterdã, os experimentos mais satisfatórios geralmente surgem de probabilidades inesperadas. Filtros de arame, jarros de plástico e bolas de golfe aparecem em uma série contínua de lâmpadas chamadas Crafty Lights, enquanto um conjunto de sofás de encosto alto criado para o TextielMuseum na cidade vizinha de Tilburg apresenta um fio de polipropileno brilhante entrecruzado em torno de uma estrutura de metal sobressalente. “Eu nem tenho um caderno de desenho”, diz Pot, refletindo sobre sua abordagem improvisada ao design. “A maior parte é feita na prática, brincando com os materiais.” Sua mais recente colaboração com a casa têxtil Maharam, com sede em Nova York, acena para um fascínio de longa data pela linha marítima (corda para navegar de alto desempenho), que Pot é conhecido por transformar em máscaras extravagantes. Dois novos tapetes – Pop, enrolado em um oval ou círculo, e Groove, um riff no tabuleiro de xadrez – são feitos de corda multicolorida que confere um efeito dimensional hipnotizante. Adequados para uso interno e externo, os tapetes têm uma afinidade estilística com a cultura americana. “O que gosto na arte popular, e talvez na arte vagabunda e na arte outsider, é que há sempre uma ligação clara com as mãos que a criaram”, diz o designer – uma qualidade também encontrada no nó macramé da Groove. (Tecelões na Índia aprenderam a técnica estudando uma das amostras feitas à mão por Pot.) Objetos codificados com toque humano são aqueles “que você coloca em um pedestal”, diz Pot. “Ou pode nem ser um pedestal. Talvez apenas um lugar legal: poderia ser o chão.” A partir de $ 258, maraham.com.
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Em Nova York, uma mostra de pinturas que refletem a vida no escritório
Crescendo em Porto Rico, o artista Jean-Pierre Villafañe se apaixonou pela pintura enquanto trabalhava em uma série de murais comunitários no bairro de Río Pedras, em San Juan. O projeto também despertou seu interesse pela arquitetura e pela forma como a decoração pode impactar os espaços públicos e como as pessoas os utilizam. Em 2019, ele deixou o emprego como designer de arquitetura para se dedicar à pintura em tempo integral. Esta semana ele abrirá “Playtime”, uma exposição de novos trabalhos na galeria Charles Moffett, no bairro de TriBeCa, em Manhattan. Villafañe está na metade de uma residência de estúdio de um ano no 4 World Trade Center, próximo ao distrito financeiro de Nova York. Seu novo trabalho explora os ambientes desocupados e repetitivos das corporações e a maneira como as pessoas tendem a ocultar suas identidades privadas em ambientes de escritório. Um conjunto de pinturas a óleo sobre linho mostra um elenco de personagens exageradamente curvilíneos, cuja musculatura rotunda lembra as figuras do início do século XX do artista francês Fernand Léger, mas com maquiagem altamente contornada. Em “Horas extras” de Villafañe (todas as obras citadas, 2024), três desses rostos espreitam por cima de um labirinto de cubículos para observar um casal abraçado, um deles expondo um seio e uma perna com meia arrastão. “Tom” retrata um grupo de executivos sentados em uma mesa de reunião olhando para uma figura contorcida. A pintura favorita de Villafañe, “Clocking-In”, retrata um corredor onde trabalhadores emergem de várias portas em uníssono, vestidos de forma idêntica com camisas brancas, gravatas e calças – exceto por um corajoso desviante em um vestido de cocktail. “Playtime” estará em exibição no Charles Moffett, Nova York, de 21 de junho a 2 de agosto. charlesmoffett.com.
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Uma nova pousada com uma longa carta de vinhos naturais na zona rural costeira da França
Foi um anseio pela natureza, por um pouco de ar puro e silêncio que motivou Anaïs Fillau e Bertrand Decoux a estabelecer La Maison de Magescq, uma nova e elegante pousada de quatro quartos no sudoeste da França. O casal – ela designer de móveis e publicitária, ele engenheiro – passou uma década morando em Cingapura, Hong Kong, Hanói e Bangkok. Numa viagem a França em 2022, depararam-se com uma mansão de pedra abandonada do século XVIII rodeada por um vasto pinhal em Magescq, uma pequena aldeia em Les Landes, uma área pouco conhecida no Oceano Atlântico entre Bordéus e Biarritz.
A casa senhorial que compraram não era habitada há 30 anos, pelo que necessitava de uma remodelação total. Eles decidiram preservar muitos de seus elementos originais – desde os vitrais redondos até o piso xadrez de cimento na entrada e molduras de gesso. “A ideia era trazer a casa de volta à vida como pano de fundo para os móveis contemporâneos que preferimos”, diz Fillau. Ela projetou muitas das peças em tons de terra como parte de sua linha de móveis sob encomenda, Manifeste (quase tudo dentro da casa está à venda). Não há restaurante, mas o casal fez a curadoria de uma lista de mais de 70 vinhos, em sua maioria naturais e orgânicos, que os hóspedes podem saborear no lounge ou no terraço. Também é oferecida uma variedade de atividades, incluindo aulas de surf, passeios a cavalo, ioga, meditação, massagens no quarto e jantares preparados por um chef particular. Quartos a partir de cerca de US$ 235, maisondemagescq.com.
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Uma exposição coletiva de Manhattan que examina os caminhos que se cruzam dos artistas
Sarah Charlesworth foi uma artista conceitual que usou fotografias para examinar a sociedade – primeiro colando imagens encontradas e depois criando as suas próprias. Seu trabalho de 1981, “Tabula Rasa”, uma serigrafia branca sobre branca, reimagina uma das primeiras naturezas-mortas já tiradas. É o homônimo da exposição coletiva “Tabula Rasa” da Paula Cooper Gallery, que centra-se na relação entre Charlesworth e seus colegas artistas conceituais Douglas Huebler e Joseph Kosuth. A mostra traça uma linhagem de Huebler, professora de Charlesworth, até seu companheiro e colaborador Kosuth e os numerosos artistas que eles influenciaram, incluindo Laurie Simmons, uma amiga íntima de Charlesworth, e a fotógrafa Deana Lawson, sua ex-aluna. Situando o trabalho dos três artistas ao lado do dos seus mentores, amigos, estudantes e contemporâneos, “Tabula Rasa” explora as trajetórias criativas sobrepostas que unem os seus 23 participantes. “Temos que reciclar a partir das pessoas que criaram antes de nós”, diz a artista Lucy Charlesworth Freeman, cujo trabalho é exibido ao lado do de sua mãe e ao lado de “Tabula Rasa II” (2024), uma releitura da obra homônima da mostra feita pelo amigo de Charlesworth. Sara VanDerBeek. “E essa é uma parte bonita, necessária e inevitável da cultura.” “Tabula Rasa” está em exibição na Paula Cooper Gallery, em Nova York, até 26 de julho de 2019. paulacoopergallery.com.
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