Jean-Marie Straub, um célebre cineasta alinhado com a Nouvelle Vague francesa que provocou debate crítico com filmes que fez com sua esposa, Danièle Huillet, que eram conhecidos por seu tema agressivamente cerebral, tendências marxistas e sensibilidade anticomercial, morreu no domingo em sua casa em Rolle, Suíça. Ele tinha 89 anos.
O Arquivo Nacional de Cinema da Suíça anunciou sua morte.
“Os Straubs”, como eram frequentemente chamados (embora preferissem Straub-Huillet como apelido profissional) surgiram na década de 1950 do mesmo círculo de cineastas franceses revolucionários como François Truffaut e Jean-Luc Godard, um amigo de longa data que morou perto de Rolle até sua morte em setembro.
Os diretores da Nouvelle Vague derrubaram as convenções cinematográficas ao canalizar suas teorias cinefílicas para obras de autoria que refletiam os sentimentos antiautoritários da França do pós-guerra. Sr. Straub e Sra. Huillet tomou esses mesmos impulsos em uma direção mais radical, evitando as técnicas e estruturas narrativas tradicionais para criar uma forma de filme ideologicamente orientado que orgulhosamente desrespeitava os padrões básicos de entretenimento.
Seu documentário de 1981, “Too Early, Too Late”, por exemplo, apresentou a Sra. Huillet, em uma narração, lendo de uma carta escrita por Friedrich Engels ao teórico marxista Karl Kautsky sobre o desespero econômico dos camponeses franceses como aparentemente filmagem não relacionada de locais na França contemporânea exibidos na tela.
O material original dos filmes muitas vezes parecia extraído de um currículo de pós-graduação, inspirado em nomes como Bertolt Brecht, o romancista e crítico literário. Elio Vittorini e as óperas do compositor atonal Arnold Schoenberg.
Críticos, teóricos do cinema e espectadores perspicazes tinham fortes opiniões sobre seu trabalho, que podiam ser vistas como poéticas ou tediosas. Sua abordagem minimalista de edição, cinematografia e atuação exigia que “alguém estivesse em um estado de espírito tão receptivo que beira a lavagem cerebral”, como Vincent Canby escreveu no The New York Times em sua resenha de “Relações de classe”, sua interpretação de 1984 do romance inacabado de Franz Kafka, “Amerika”.
O filme agora é aclamado como um dos mais acessíveis e belos filmes de Straub-Huillet, mas Canby disse que a fala impassível dos atores soou “como se eles estivessem dando instruções sobre como vestir o colete salva-vidas em caso de um pouso não programado no mar”.
Para outros críticos, esse compromisso constante com uma estética era uma afirmação artística em si. “Alguns filmes quero ser amado”, escreveu o crítico J. Hoberman no The New York Times analisando uma retrospectiva de 45 filmes de Straub-Huillet no Museu de Arte Moderna em 2016. “Outros preferem ser admirados. E depois há os filmes, como os de Jean-Marie Straub e Danièle Huillet, que, indiferentes ao amor ou à admiração, são monumentos à sua própria integridade.”
Apesar de um corpo de trabalho em grande parte confinado a teatros de arte e exibições em museus, o Sr. Straub recebeu o prêmio leopardo de honra prêmio pelo conjunto da obra em 2017 pelo Festival de Cinema de Locarno, na Suíça, um prêmio que anteriormente foi para nomes como Bernardo Bertolucci, Werner Herzog e Godard. (Sra. Huillet morreu em 2006). Richard Brody, do The New Yorker, escreveu que Straub era “um dos grandes cineastas menos conhecidos – ele nunca teve um sucesso ou procurou um”.
Se o público se mexesse desconfortavelmente em seus assentos, tanto melhor. Para o combativo Sr. Straub, fazer filmes pode ser um ato revolucionário. “Se não tivéssemos aprendido a fazer filmes”, disse certa vez, “eu teria plantado bombas”.
Jean-Marie Straub nasceu em 8 de janeiro, 1933em Metz, no nordeste da França, e cinéfilo desde cedo, demonstrando afinidade com os filmes de João Renoir, Robert Bresson e Jean Gremillon.
Ele estudou literatura no Lycée Fustel-de-Coulanges em Estrasburgo, obtendo seu diploma na Universidade de Nancy. No início dos anos 1950, ele organizou um cineclube em Metz, para o qual convidou Truffaut, então crítico provocador da seminal revista francesa de cinema Cahiers du Cinéma, e André Bazin, fundador da Cahiers, para discutir filmes. (O próprio Straub começou a contribuir para a revista.)
Ele conheceu Huillet em 1954, e o casal se estabeleceu em Paris, onde Straub começou sua carreira no cinema como assistente, trabalhando em filmes como “A Man Escaped”, de Bresson, lançado em 1956. Dois anos depois, para evitar recrutamento na Guerra da Argélia, ele fugiu da França para a Alemanha Ocidental. Ele e Huillet se casaram em Munique em 1959, iniciando uma longa carreira como cineastas expatriados trabalhando principalmente na Alemanha, Itália e Suíça.
Seu primeiro curta, “Not Reconciled” (1965), foi adaptado de um romance de Heinrich Böll, que disseca o crescimento e os legados do nazismo. A escritora e intelectual pública Susan Sontag disse mais tarde que o filme a fez querer beijar a tela.
Em 1968, o casal ganhou reconhecimento internacional com seu primeiro longa-metragem, “A Crônica de Anna Magdalena Bach”(1968), que foi uma versão desconstruída de uma cinebiografia de Johann Sebastian Bach.
Situado em locações na Alemanha onde Bach realmente viveu e trabalhou, o filme oferece uma narrativa esparsa que consiste em reminiscências de narração de um diário fictício pela segunda esposa de Bach (o texto foi escrito pelos cineastas). Grande parte da ação, por assim dizer, é fornecida por músicos em trajes de época interpretando as grandes obras do compositor.
Embora o filme tenha confundido alguns críticos de sua época – AH Weiler o considerou “repetitivo e estático tarifa de tela” no The Times – outros, ao longo do tempo, passaram a vê-lo como uma obra-prima, uma obra de arte “cuja austeridade visual, lentidão resoluta e recusa da narrativa convencional foram feitas para promover uma crítica implacável da estética capitalista”, como AO Scott escreveu no The Times em 2018.
À medida que sua reputação crescia, o Sr. Straub e a Sra. Huillet continuaram a ultrapassar os limites ao longo das décadas. Seus filmes “Das Nuvens à Resistência” (1979) e “Sicília!” (1999) ambos estrearam na mostra Un Certain Regard do Festival de Cannes, categoria reservada a obras de ousadia artística.
Os críticos foram menos gentis com sua adaptação de 1979 de “Othon,” uma peça francesa do século XVII de Pierre Corneille, que anunciou suas intenções de confundir com um título de 22 palavras em inglês: “Os olhos não querem fechar o tempo todo, ou talvez um dia Roma se permita escolher por sua vez”.
O filme apresentava atores não profissionais fantasiados de romanos antigos latindo o texto da peça de uma forma emocionalmente plana e rápida das ruínas do Monte Palatino na Roma contemporânea, com o barulho da cidade moderna zumbindo abaixo.
Sempre utópico, Straub disse que considera o público-alvo de “Othon” – sobre as ambições políticas de um nobre romano em meio a apelos para trazer poder ao povo – o proletariado moderno.
“Eu gostaria que ‘Othon’ fosse visto por trabalhadores em Paris”, ele foi citado como tendo dito em uma entrevista de 1975. “Eles nunca foram informados de que Corneille é impossível de entender.”
O filme, acrescentou, “ameaça não apenas uma classe, mas um grupo de poder”.
Essa camarilha de poder aparentemente incluía críticos no Festival de Cinema de Nova York em 1970, metade dos quais fugiu para a saída durante a exibição do filme para a imprensa.
Mas talvez esse fosse o ponto. Como o Sr. Straub disse uma vez, “Fazemos nossos filmes para que o público possa saia deles.”
